Bei den Fischen schlafen – die Unterwasserausstellung “The Rock”

Die Unterwasserausstellung “The Rock” von Tobi Keck präsentierte am 15. August einen Tag lang künstlerische Positionen von 24 Künstler*innen im Westbruch Brandis bei Leipzig. Inwiefern machte der Rahmen hierbei die Kunst?

Weiterlesen “Bei den Fischen schlafen – die Unterwasserausstellung “The Rock””

Dresden ist ein bedeutender Standort für Technologie & Forschung. Doch was hat die lokale Kunstszene davon?

Besonders in Reiseführern, auch unter Touristen wird Dresden oft und gerne mit der italienischen Stadt Florenz verglichen und trägt so den Beinamen “Elbflorenz”. Doch auch ein bekanntes Zentrum der Halbleiter- und Computertechnologie in Kalifornien (USA) hat hier bei uns einen Namensvetter: Was die Amerikaner Silicon Vally nennen, heißt bei den Sachsen (keep it simple) “Silicon Saxony“!

Dresden gehört mit seinen zahlreichen Unternehmen aus der Technologie- und Forschungsbranche ebenfalls zu diesem sogenannten “Spitzencluster”, der sich im Raum um die Städte Dresden, Freiberg und Chemnitz angesiedelt hat. Seit Gründung im Jahr 2008 erfährt dieser Cluster in Sachsen ein enormes Wachstum und eine scheinbar unendliche Dynamik.

Spiegelt sich diese Entwicklung auch in der lokalen (Medien)Kunstszene wider? Welche Anknüpfungspunkte können entstehen? Welche Potenziale schlummern dort (noch) im Verborgenen? Gibt es Hindernisse & Probleme? Welche Netzwerke gibt es oder sollten in Zukunft zwischen Wirtschaft und Kunst/Kultur gespannt werden?

Um diese und andere Fragen zu klären oder auch gemeinsam neue zu entwicklen laden jetzt das Amt für Kultur und Denkmalschutz der Landeshauptstadt Dresden gemeinsam mit HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste erstmalig am 10.9.2019 von 11 bis 17 Uhr zum “Fachtag DIGITALE TRANSFORMATION und MEDIENKUNST” ins Festspielhaus ein.

Vorab wird ein Einblick in die aktuelle Situation in der Region geworfen. Danach stellen nicht nur Akteure und Akteurinnen der lokalen Medienkunstszene sich und ihre Visionen, Vorstellungen und Pläne vor sondern auch etablierte Institutionen und die Kulturverwaltung kommen zu Wort.

So soll der Fachtag DIGITALE TRANSFORMATION und MEDIENKUNST eine Gelegenheit geben, eine gemeinsame Zukunft für die Medienkünste in Dresden zu entwickeln.

Alles noch einmal im Überblick:

Am: 10.09.2019
Von: 11:00 bis 17:00 Uhr
Im: Dalcroze-Saal (Festspielhaus HELLERAU)
Karl-Liebknecht-Straße 56
01109 Dresden


Das detaillierte Programm findest Du hier:

(Titelfoto: © Stephan Floss)

Clementine Butler-Gallie at Pilotenkueche – From Elsewhere to Leipzig

Clementine Butler-Gallie is the current curator of the 39th issue of the Pilotenkueche international art residency program and has the premiere of her first group show Elsewhere a Blue Line and the Absurdity of a Ghost on a Stone in the Basement of Kunstkraftwerk LeipzigA conversation about curating, the art scene in Germany compared to Great Britain and the role of women in art. 

Von Laura Gerstmann

Installation view with front work by Anabel Nájera-López, Absent Presence, 80 × 90 × 88 cm, Found fabric and plaster, 2019 and back view work by Dominga Vergara, Reflect Conversing, 135 × 380 cm, Painting on canvas, 2019 // Photo credit: Coffee Kang and Adrian Rötzscher

You originally came from near London, studied and worked in a gallery at the capital. Most recently, you organized exhibitions in East Berlin with your collective East of Elsewhere. How did you come to Leipzig and the Pilotenkueche residency?

There is always push and pull when you move to a new city. It felt that Berlin was becoming over saturated and expensive, and Leipzig had space and energy. My practice was becoming more research based, and so the appeal of Leipzig’s pace and prices led me here. That said, it is also important in the art world to get to know the scene you are entering before you begin projects. Pilotenkueche offered a great opportunity to connect and experiment within a residency format, hopefully sowing the seed for what I hope is a long future in the city.

The title of the exhibition Elsewhere a Blue Line and the Absurdity of a Ghost on a Stone is quite complex. What is the best way to understand and interpret it?

The exhibition responds to the question who defines a narrative? The title tries to encompass the absurdity of certain narratives in society. We are often controlled by narratives and it’s an important exercise to train our minds to step off the given line and find our own versions. The construct of a residency brings together many different artists, themes, mediums and narratives. There is no restriction on what the artists produce during their stay. From this, I see the exhibition more as an exercise for the viewer to find the hidden connections. If we can find the things that connect us in the microcosm of an exhibition then maybe, we can find them more easily in the macrocosm of society.

Jos Diegel, detail of Loose film anthology in two different states of matter (made by people gathering and armed with celluloid), scratched and painted 35mm Film installation, 2017-2019 // Photo credit: Coffee Kang and Adrian Rötzscher

How did the concept of this exhibition come about?

The residency’s 15 artists come from different channels of production, cultures, and countries. The experience of curating the residency provides the challenge of connecting people and practices that are so diverse. Pilotenkueche offers a great opportunity for cultural and group exchange. Part of this exchange includes finding the exhibition titles as a group. My role was then to create the concept after the title was chosen.


“If we can find the things that connect us in the microcosm of an exhibition then maybe, we can find them more easily in the macrocosm of society”


Completely different from how you usually work?

Yes, this is the reverse format to what I am used to, but as the exhibition encourages, it is always positive to step off the line and try something new.

Louis Bouvier, A Seperate Seat for One Person, 5 × 40 × 55 cm, Plaster, metal, found object, 2019 // Photo credit: Coffee Kang and Adrian Rötzcher
Izdehar Afyouni, She’s A Cult (Work in progress), 210 x 300, Oil on linen, 2019 // Photo credit: Coffee Kang and Adrian Rötzscher

In her work, the artist Izdehar Afyouni deals with the Renaissance painter Artemisia Gentileschi. For many centuries, female artists remain rarities in art history. And even today women are still underrepresented in the art market. As a curator, what is your view of this problem like?

It is a sad fact that we are still having to reference figures such as Artemisia Gentileschi in the contemporary context, but it is important. The gender gap in art world representation, employment and pay, art market values and general treatment within in the sphere continues to be apparent. The underrepresentation of women artists in galleries was something I first noticed when exploring the scene in Leipzig. However, the international dialogue on such issues is strong and slowly progress is being made, in some places more than others.

What do you think is the best way to solve this problem?

Well, the continued dialogue on the situation is always important, but it is also about constructive response. People in positions of selective power; gallerists, curators, directors of museums, art schools, residencies and other cultural institutions, should acknowledge this power. These individuals should see the solving of the problem as their professional duty. By automatically reassessing an exhibiting artist list or gallery program if the large majority of artists are male, a huge difference could be made. It is not that talented female artists are not out there, it just takes a little bit of extra effort to discover them. Unfortunately change often has to start at the top, the place where gender bias is most entrenched.

Clementine Butler-Gallie / Backround: Louis Bouvier, (Rail) Not So Continuous, 2019

What are your impressions of the art scene in Germany compared to the UK?

I find the German art scene much more open and dispersed, in the UK it is very London centric and with that comes an embedded elitism due to the cities high costs. But my experience of the German art scene lies predominantly in Berlin and Leipzig, cities known for their accessibility and lower costs, so perhaps my scope is not totally rounded. That said, my personal experience of Germany has allowed for my projects to be much more experimental and not so commercial.

Elisabeth Kraus, detail of Selfies, diameter 4cm, silicon, wax, concrete, fluorescent epoxy, ash, 2019 // Photo credit: Taïs Bean and Louis Devereux

But you have free entrance in London?!

Yes, that’s true, there are so many counterpoints. The museums are one of the things I miss most about London. But I would say the gallery scene there is much more elitist, I way prefer the open energy and beer culture of openings here.

And Leipzig compared to Berlin?

The space for activity here is most prominent to me, I imagine it has a feel of what Berlin must have been 10 years ago. The scene here is more local and painting focused compared to the more international and multimedia representation in Berlin, but I’m excited to watch how that transforms.

Sabrina Jolicoeur, detail of We Share Our Blood, 200 × 200 × 900 cm, Found wire, carbon fibre, fools gold, shungite, avocado pits, patchouli & sandal, 2019 // Photo credit: Coffee Kang and Adrian Rötzscher


“The space for activity here is most prominent to me, I imagine it has a feel of what Berlin must have been 10 years ago”


What are your next projects?

East of Elsewhere will be taking the exhibition ‘While You Were Sleeping’ that we first curated in London to Kuwait at the end of November. It`s a double solo of two Berlin-based artists from Syria, Hiba Al-Ansari and Fadi Al-Hamwi. For three months at the end of the year I will be based in Beirut to continue my research on the cultural exchange between the DDR and the Middle East. This is a more longterm project, that I plan to eventually present in Leipzig.

Marijn Rooslind Green, Becoming Solid, Modules 48 x 23 x14 cm, Paraffin Wax, 2019 // Photo credit: Coffee Kang and Adrian Rötzscher

And there is also another Pilotenküche Exhibition?

Yes, there will be the final exhibition of this round of the residency opening on June 21st. The show is titled Wrestling with Impermanence, and will play with the concepts of renewal and return, as the artists and myself prepare to leave the residency and let it welcome the next round. It will be held both inside and outside the Pilotenküche studio on Franz-Flemming Straße.


Elsewhere a Blue Line and the Absurdity of a Ghost on a Stone runs until June 2nd at Kunstkraftwerk Leipzig.

If you want to know more about Clementine’s projects, we recommend this website.

Featured Image by Riccardo Cagnotto

Die Stadt der Zukunft geht alle etwas an – Dieses Jahr wird im Zement mitgemischt!

Vom 17. bis 23. Juni 2019 veranstaltet der Konglomerat e. V. die Raumkonferenz und Aktionstage “Zukunftsschutzgebiet Stadtraum” im Dresdner Innenstadtbereich. Es werden Interessierte und Fachleute aus dem gesamten Bundesgebiet erwartet, die gemeinsam mit den Dresdner Bürger*innen über gemeinwohlorientierte Stadtplanung ins Gespräch kommen sollen, um Ideen zu formulieren, wie sie sich Ihre Stadt der Zukunft vorstellen.

Für eine ganze Woche sollen größere Installationen, öffentliche Events und andere Veranstaltungen wie z.B. Keynotes, Seminare oder Spaziergänge eine Brücke zwischen institutionellen Stadtplaner*innen und informellen Stadtproduzent*innen schlagen.

Die Konferenz bündelt sich an vier Hauptschauplätzen, die symbolisch für Themen der Konferenz stehen und gleichzeitig auch die lokale Diskussion um eine gemeinwohlorientierte Stadtplanung seit Jahren mal mehr, mal weniger anheizen. Konkret handelt es sich um die Robotronkantine, den Leipziger Bahnhof, das Plattenwerks-Areal in Dresden-Johannstadt & das Königsufer – Neustädter Markt.

Die vier Hauptschauplätze der Aktionstage und Konferenz: (v.l.n.r.) Leipziger Bahnhof, Neustädter Markt, Robotronkantine und Plattenwerksareal.

Diese vier Orte dienen der Raumkonferenz als Schablonen für die
Idee der Zukunftsschutzgebiete. Inklusiv, nachhaltig, ökologisch und anpassungsfähig sollen diese die Nutzung städtischen Raums in der Gegenwart
ermöglichen und seinen Gebrauch für die Zukunft zum Wohle aller erproben. Um die Voraussetzungen für bewusstes Handeln im Aktionsraum Stadt zu schaffen, stoßen die öffentlichen Aktionen den Dialog zwischen verschiedenen Akteuren an und vernetzen bislang Unvernetzte. Neben den lokalen Teilnehmer*innen erwartet die Konferenz Besucher aus Zivilgesellschaft, Planung, Wissenschaft, Politik sowie den Bereichen Stadtsoziologie und Stadtentwicklung.

Tickets für die Veranstaltung können hier gebucht werden!

Wichtige Fakten und Termine im Überblick:

  • 7 Tage Konferenz- und Aktionsprogramm
  • 4 Schauplätze / 25 Veranstaltungsorte
  • 11 Formate / ca. 50 Veranstaltungen
  • 100 geladene Referent*innen und Expert*innen
  • etwa 300 Teilnehmende aus dem ganzen Bundesgebiet erwartet
  • am 19.06. Besuch der obersten Baubeamtin Deutschlands, Monika Thomas
  • am 21.06. Besuch eines der renommiertesten Baurechtler Deutschlands, Dr. Stefan Gatz
  • im Ticket enthalten: Kinderbetreuung, ÖPNV, Leihfahrräder, Coworking

Weitere Informationen findest Du unter der Webseite: ​



Wie sollen wir sehen? Die Ausstellung SUPERSTIMULUS fordert unsere Reize heraus

In Leipzig gibt es einen neuen Ausstellungsort: die A&O Kunsthalle. Sie will vorrangig jungen Kunstschaffenden die Möglichkeit bieten in großen Räumen auszustellen.

Ende Februar eröffnete dort nun die zweite Gruppenausstellung  SUPERSTIMULUS. Die Kunsthistorikerin Anja Skowronski übernahm dabei das Kuratieren. In unserem Gespräch gibt sie Aufschluss über die Bedeutung des Titels, die Nutzung der Räumlichkeiten und wie sie selbst zum Beruf der Kuratorin steht. 

Von Laura Gerstmann

Nadja Kurz, Bioturbation Animation, 2019 und Tobi Keck, Shoppingday Ossuary, 2019

Wie ist die Idee zur Ausstellung entstanden?

Die Idee kam ursprünglich von Lisa Woelfel und den anderen an der Ausstellung beteiligten Künstlerinnen und Künstlern, da es immer wieder zum Auftauchen von grotesken Momenten in den Werken kam. Diese Übertreibungen und Überhöhungen innerhalb der Arbeiten als Gemeinsamkeit waren quasi der Ausgangspunkt, um eine gemeinsame Ausstellung zu starten.


Nadja Kurz, >>>>and prolapse, 2016


Und wie bist du zur Gruppe gestoßen?

Der Kontakt entstand über Lisa, die ich bereits vorher kannte und die mich gezielt angefragt hat, ob ich Lust habe die Ausstellung zu kuratieren und die Werke in einer Ausstellung miteinander zu vereinen.


“SUPERSTIMULUS beschäftigt sich mit der Frage nach Sehgewohnheiten und visuellen Impulsen innerhalb des Bereiches der Bildenden Kunst. Der Begriff ist aus dem Bereich der Neurowissenschaft entlehnt und bezeichnet unter anderem die Stimulierung und Beeinflussung von Schlüsselreizen.”


Was hat dich besonders gereizt, die Kuration für die Ausstellung zu übernehmen?

Vor allem die Realisierung von Projekten, die außerhalb des musealen Arbeitsalltags stattfinden und somit eine andere Dynamik haben. Generell war ich auch an der Auseinandersetzung mit neuen Künstlerinnen und Künstlern interessiert, um eigene gewohnte Wege und das eigene Schaffen zu durchbrechen und immer wieder zu hinterfragen.

Insbesondere bei der Ausstellung in Leipzig ist auch die Frage, wie man die thematischen Zusammenhänge von so vielseitigen Werken zusammenbringen und miteinander vereinen kann, dass die Gedanken auch Besucherinnen und Besuchern erkenntlich werden.


Nadja Kurz, Factory of Good Will, 2018, Würste und Gesetze / Küchenhilfe / Wasserspender / Kunde des Monats


Der Titel SUPERSTIMULUS ist ein Begriff aus den Neurowissenschaften – warum habt ihr euch dafür entschieden und was kann einen bei der Ausstellung erwarten?

Der Begriff kam bereits vorab von der Gruppe. Daher habe ich versucht unter diesem Aspekt die Werke miteinander in Beziehung zu setzen und auf neuen Ebenen miteinander zu verknüpfen. Die Begrifflichkeit bringt im Bezug auf die Kunstwerke noch ganz andere Diskussionsebenen auf. Beispielsweise über Qualität und Quantität, Oberflächen und Inhalte oder im weitesten Sinne Schein und Sein.

Somit verweist der Begriff auch gleichzeitig auf die Problematik, dass ausschließlich tolle Inhalte ein Kunstwerk in dem Sinne noch nicht „gut“ machen. Auch die visuellen Reize der Betrachtenden müssen angesprochen werden und Impulse an die Sehreize gesendet werden, damit ein Kunstwerk als ansprechend empfunden wird. Diese Blickweise ist aber natürlich immer vom eigenen Blickwinkel abhängig und die pauschale Beurteilung nach „gut“ und „schlecht“ in dem Sinne vielleicht gar nicht möglich und untersteht somit einer gewissen Hinterfragung.


Lisa Woelfel, Pilzstrauß, 2018 / Betüddeln, 2018 / Fuß, 2019

Die Arbeiten beschäftigen sich alle mit der Übertreibung visueller Reize, jedoch mit unterschiedlichen Herangehensweisen. Wie war für dich die Anordnung/Hängung der Werke in der Ausstellung? Gab es Schwierigkeiten, alle zusammenzubringen?

Die Hängung der Werke habe ich zum einen an bestimmte markante Punkte der Räumlichkeiten angepasst. Davon ausgehend setzte ich alle Werke über die Verknüpfung von inhaltlichen und motivischen Aspekten zueinander in Verbindung. Damit versuche ich den Betrachtenden Zusammenhänge und Gemeinsamkeiten der Werke aufzuzeigen. Diese bestehen über den Titel der Ausstellung hinaus in wiederkehrenden Symbolen, Materialien oder Thematiken.

Lisa Woelfel arbeitet mit grellen Farben und als Motive tauchen Köpfe, Hände und Füße immer wieder auf. Auch in den Werken von Andrea Barzaghi sind Hände und Arme wiederkehrende Elemente. Insbesondere in seiner speziell für den Raum gestalteten Installation, sind diese an mehreren Stellen zu finden.

Über diese Motive ergibt sich auch ein spannender Anknüpfungspunkt zu einigen Werken von Nadja Kurz. Welche auf ihren Flaggen, unter anderem, auch Hände darstellt und mit deren Verstümmelung auf humorvolle Art und Weise gleichzeitig unser Ekelempfinden triggert.

Diesen Werken gegenüber habe ich wiederum die Arbeiten von Michael Eppler gestellt, der mit den skurrilen Charakteren seiner Bildgeschichten und mit einer anderer Art von Gewalt und Fleischhaftigkeit des menschlichen Körpers spielt. So tauchen dort beispielsweise nackte Männer mit Maschinenpistolen auf, die auf Schaumleinwände gedruckt wurden.

An Nacktheit und die Verwendung von ungewöhnlichen Materialen knüpfen auch die Arbeiten von Tobi Keck an, der Alltagsgegenstände zu Kultobjekten umwandelt und Pornodarstellerinnen in Göttinnen verwandelt.


Michael Eppler, Masculine Fun with Sub Machine Gun, 2019 und Andrea Barzaghi, Nascita, 2019


“Wir wollten die Sehgewohnheiten ändern und neue Betrachtungsweisen fordern.”


Andrea Barzaghi, Di passaggio, 2019 / Pittore con autoritratto, 2017 / Scala, 2019 / Caccia, 2018 / Braccia, 2018 (von links nach rechts)


Bei den Räumlichkeiten habt ihr auch den Vorraum mit einbezogen, der normalerweise für die Garderobe genutzt wird. 

Genau, wir wollten die Atmosphäre des Raumes neu gestalten, um die Besucher auf die Ausstellung einzustimmen. Es soll ein kleiner Teaser sein, eine optische Anknüpfung an Beinhäuser, um einen extremen Cut zwischen Vorraum und Ausstellungsraum für die Besucher zu vermeiden.

Tobi Keck hat dafür etwa 4 500 Gipsabdrücke von Trilobiten, einer ausgestorbenen Klasse von Meeresbewohnern der Gliederfüßer, zu einer Installation im ersten Raum verarbeitet, die an barocke Formgebungen erinnern. In Kombination mit dem Video „Bioturbation Animation“ von Nadja Kurz soll eine Sehreizübersteigerung stattfinden, die an ebendiese in der Natur erinnern soll.


“Für mich sind die Bereiche Vermittlung und kuratorisches Arbeiten unabdingbar miteinander zu vereinen.”


Tobi Keck, Stehende Venus, 2016 / Ruhende Venus, 2016 und Michael Eppler, A portrait of the artist as a young man/old man, 2016

Gerade machst du noch ein wissenschaftliches Volontariat in der Vermittlungsabteilung des Neuen Museums Nürnberg. Ist die Zusammenarbeit mit Künstlern*innen etwas was du weiterhin ausbauen möchtest? – Vor allem im kuratorischen Bereich?

Für mich gehen beide Bereiche Hand in Hand und haben sehr viel miteinander zu tun. Während meines Volontariates war ich auch kuratorische Assistenz bei der Ausstellung „Goshka Macuga. Intellectual Co-operation“ und konnte Erfahrungen im kuratorischen Bereich ausbauen. Meiner Meinung nach ist es unabdingbar beide Bereiche miteinander zu vereinen und den Leuten eine Ausstellung so zu präsentieren, dass ein Zugang zu den Arbeiten stattfinden und ein breites Zielpublikum erreicht werden kann.

Im Rahmen der Ausstellung SUPERSTIMULUS fand dies eher auf der Ebene der Gegenüberstellung von Werken zu und miteinander statt, da es eine ziemlich traditionelle Präsentation der Werke im White Cube ist. Über Erzählstränge und Inhalte habe ich versucht die Werke zueinander in Beziehung zusetzen und somit die Gegenüberstellungen nachvollziehbar werden zu lassen ohne dabei Assoziationsräume zu unterbinden

Was habt ihr für die Finissage geplant?

Vor der Finissage haben wir noch ein KünstlerInnengespräch am Sonntag, den 31. März um 17 Uhr, zu dem wir alle Interessierten herzlich einladen. An der Abschlussveranstaltung, die am 6. April stattfindet, lädt die A&O Kunsthalle ab 19 Uhr zu Drinks und Musik ein.  


Wenn du jetzt Lust auf die Ausstellung bekommen hast: SUPERSTIMULUS läuft noch bis zum 6. April in der A&O Kunsthalle mit Arbeiten von ANDREA BARZAGHI, MICHAEL EPPLER, TOBI KECK, NADJA KURZ und LISA WOELFEL.

Kennst du eigentlich? Heute: Galerie Gebr. Lehmann

Heute startet unsere neue Interview-Reihe “Kennst du eigentlich?”. Ab sofort stellen wir dir hier Orte vor, an denen Kunst gemacht, gezeigt, besprochen oder anderweitig zelebriert wird. In 10 Fragen und 10 Antworten lernst du nicht nur die Räume, sondern auch die Verantwortlichen dahinter besser kennen.

Den Anfang in unserer Serie machen Frank und Ralf Lehmann von der gleichnamigen Galerie  Gebrüder Lehmann. Ein echtes Urgestein mit Tradition in der Dresdner Galerielandschaft.

Von Isabella Engelhardt & Paula Wunderlich

Stellt euch doch erst einmal vor, wer seid ihr denn überhaupt?

Galerie Gebr. Lehmann:
Galerie Gebr. Lehmann bedeutet Gebrüder, also mindestens zwei. Wir sind Frank und Ralf Lehmann und leiten die Galerie seit 30 Jahren. Frank ist rund fünf Jahre jünger. Wir haben weder Kunst noch Kunstgeschichte studiert.
Die Kennerschaft ist durch Liebe zur Kunst und die Nähe zu den Künstler*innen entstanden. Das kann man nicht studieren.

Frank und Ralf Lehmann. Foto: Galerie Gebr. Lehmann


“Mittlerweile ist hier die höchste Konzentration mit Orten für zeitgenössische Kunst in Dresden entstanden.”


Wo findet man euch?

Galerie Gebr. Lehmann:
Seit einem reichlichen Jahr ist die Galerie am Neustädter Markt 11/12, mit Blick auf den Goldenen Reiter und den tollen Brunnen von Friedrich Kracht aus den 70er Jahren; auf das Blockhaus, welches das Archiv der Avantgarden von Egidio Marzona aufnehmen wird; zur Semperoper und zu den tollen Sonnenuntergängen, die nach Caspar David Friedrich aussehen. Nach Ewigkeiten im Hinterhof eine Offenbarung!

Mittlerweile ist hier die höchste Konzentration mit Orten für zeitgenössische Kunst in Dresden entstanden. Wenn ihr Glück habt, trefft ihr uns auch persönlich in der Galerie. Aber unser Team ist mindestens genauso gut wie wir!

Ausstellungsansicht von Lara Schnitger “Don’t Let The Boys Win.” in der Galerie Gebr. Lehmann vom 26.09.2017 bis 11.11.2017. Foto: David Pinzer


Und wo findet man euch, wenn ihr gerade nicht in der Galerie seid?

Galerie Gebr. Lehmann:
Viel in Berlin, oft auf Messen, weltweit zu Ausstellungen von unseren Künstler*innen, Sammler*innen besuchen. Die Welt wird quasi fremdgesteuert erobert, dafür umso überraschender.

Wie kam Dresden zu euch?

Galerie Gebr. Lehmann:
Wir waren schon da, quasi schon immer, in Dresden. Später kamen dann die richtigen Künstler*innen und auch Freund*innen dazu. Der Kreis wurde immer größer, reicht von Los Angeles bis Tokyo.

Gibt es einen Moment, der euch besonders im Kopf geblieben ist?

Galerie Gebr. Lehmann:
Ganz viele!!! Begegnungen mit Curt Querner, Penck, Willy Wolff; unsere erste Eröffnung, als Christoph Tannert sprach; die erste Einzelausstellung eines Künstlers von uns Mitte der 90er Jahre in New York, wo wir uns ein billiges Hotelzimmer teilen mussten, weil wir kein Geld hatten. Und dann alle Galerieumzüge mit großen Festen.

Ausstellungsansicht “Textiles” in der Galerie Gebr. Lehmann vom 03.11.2018 bis 12.01.2019. Foto: David Pinzer


Warum braucht euch Dresden?

Galerie Gebr. Lehmann:
Dresden braucht mehr als nur uns: eine gut funktionierende Szene für zeitgenössische Kunst. In der Äußeren Neustadt ist das alles eingeschlafen, aber am Neustädter Markt passiert richtig was. Das muss aber alles eigenständig bleiben und nicht von Kulturhauptstadtbewerbungen abhängig sein.


“Von unseren Künstler*innen werden wir noch immer inspiriert, sie verändern unseren Blick auf die Welt weiterhin.”


Wer oder was hat euch inspiriert bzw. tut das vielleicht immer noch?

Galerie Gebr. Lehmann:
Die oben genannten Künstler*innen und besonders auch Wilhelm Müller. Mit Ihrer jeweiligen Kompromisslosigkeit was die eigene Kunst betrifft und Kunst allgemein. Müller hat damals unsere Künstler*innen auch wegen seiner gewagten Farbkombinationen begeistert. Und natürlich werden wir von ihnen noch immer inspiriert, sie verändern unseren Blick auf die Welt weiterhin.

Was steht in Zukunft an?

Galerie Gebr. Lehmann: 
Unsere relativ neuen Räume immer weiter auszutesten und zu vereinnahmen, hoffentlich viele tolle Ausstellungen und ganz viel unterwegs zu sein für und mit unseren Künstler*innen. Die exotischsten sind Havekost in Los Angeles und Lüning auf der Kinderbiennale in Singapur.

Was sollte man in nächster Zeit auf gar keinen Fall verpassen oder was kann man sich guten Gewissens sparen?

Galerie Gebr. Lehmann:
Die Ausstellung “Gegen die Unsichtbarkeit” im Japanischen Palais. Die vergessenen Frauen von Hellerau, mit tollen Objekten, tollem Design, sichtbar machen einer verrückten Epoche in Hellerau. Nichts Sehenswertes ist mir zum Glück gerade nicht untergekommen, habe wohl gut vorsortiert.


“Kunst hört nie auf Spaß zu machen.”


Habt Ihr zum Ende noch ein treffendes Schlusswort oder eine Lebensweisheit für unsere Leser*innen?

Galerie Gebr. Lehmann:
Kunst hört nie auf Spaß zu machen, die Kennerschaft zu entwickeln ist nie zu Ende, immer offen für Überraschungen zu bleiben. Die Welt mit den Augen der Künstler*innen zu sehen ist immer wieder spannend und keinen Stillstand zulassen.


Aktuell gibt es  noch bis zum 27. April 2019 Lisa Pahlke mit ihrer Ausstellung zu sehen.

Die Galerie Gebr. Lehmann ist dienstags bis freitags von 11.00 Uhr bis 18.00 und samstags von 11.00 Uhr bis 16.00 geöffnet.

Noch mehr Informationen über vergangene, laufende und kommende Ausstellungen findest du auf ihrer Website. 

Du willst über einen ganz bestimmten Ort noch mehr wissen? Dann schreib uns gerne, was dich noch interessiert!